La vejez, lejos de ser una etapa de declive inevitable, puede ser un periodo de profunda creatividad y descubrimiento personal. Sin embargo, el miedo al envejecimiento es una emoción arraigada, a menudo alimentada por prejuicios y malentendidos. A través de la historia, el arte ha servido como un espejo para estas inquietudes, reflejando tanto la dignidad y la capacidad de las personas mayores, como los terrores más profundos de la existencia humana. Esta exploración abarca desde ejemplos inspiradores de artistas en su senectud hasta la representación del horror en obras maestras clásicas.
La Vejez y la Creatividad: Rompiendo Estigmas
El envejecimiento activo, tanto física como mentalmente, es clave para una vida plena. Existen conceptos erróneos sobre la vejez que pueden tener un efecto negativo en nuestros seres queridos, impidiéndoles aspirar a más.
Agnes Kasparkova: Un Ejemplo de Pasión Eterna
Agnes Kasparkova, una mujer de 90 años, persiguió su sueño de ser artista sin permitir que la edad la impidiera. Antes de jubilarse, había trabajado toda su vida en el campo y, tras décadas de trabajo arduo, merecía una jubilación tranquila.
Comenzó tomando clases con un artista anciano, quien le transmitió todo su conocimiento de este arte tan particular. Así, Agnes fue capaz de dar continuidad a la tradición de decorar las fachadas blancas de su pueblo. Las casas son la tela donde imprime el azul ultramarino, el color que más sobresale en el blanco de las fachadas. Se asegura de que los diseños son detallados, refinados y que la tinta es de buena calidad. Agnes es prueba de que la edad es tan solo un número, especialmente cuando se trata de abrazar nuestra creatividad.
La Neuroplasticidad y el Envejecimiento Activo
Es impresionante cómo muchas personas con más de 90 años siguen teniendo lucidez mental, como si su cerebro no hubiera envejecido. Estas personas logran mantenerse mentalmente activas porque se dedican a actividades que requieren una función cognitiva superior y constante. Tal como comprobó Marian Diamond hace más de 50 años, sabemos que, bajo los efectos positivos de un ambiente enriquecido de estímulos, se siguen formando nuevas conexiones en el cerebro; este proceso se denomina “neuroplasticidad”. Esto significa que, bajo estimulación constante, el cerebro del adulto -incluso hasta que se hace adulto mayor- sigue desarrollándose. Además de ser un concepto innovador, nos hace reconocer aún más los beneficios del envejecimiento activo, no solo físicamente, sino también mentalmente.
Neuro plasticidad cerebral en el adulto mayor.
Derribando Mitos sobre la Vejez
El otoño de la vida trae más tiempo libre y la posibilidad de, finalmente, poder vivir nuevas experiencias. Sin embargo, muchos mayores están condicionados a la idea de que van a dejar de ser útiles y a perder valor ante la sociedad. Por esto, es importante que todos a su alrededor, empezando por la familia, les ayuden a entender que la vejez les traerá otro sentido y objetivos de vida, y que aún quedan muchas posibilidades para explorar.
Es cierto que enfermedades mentales como la demencia afectan sobre todo a ancianos. Sin embargo, la idea de que estamos todos condenados a sufrir la disminución de la función de la memoria no es del todo cierta. Ciertas habilidades mentales pueden incluso mejorar a medida que envejecemos, como las matemáticas, el vocabulario y la capacidad de expresión, así como la capacidad de elaborar razonamientos más abstractos y complejos. Pero nada de esto ocurrirá si no alimentamos el cerebro como debe ser, es decir, debemos entrenar el cerebro como si entrenáramos un músculo.
La vejez es a menudo asociada a la depresión, a la soledad y al aislamiento. Pero hacerse mayor, en realidad, le traerá más tiempo para dedicarse a lo que realmente le gusta: a sus hobbies e intereses. Estudios recientes sobre la felicidad indican que, a medida que tenemos menos obligaciones, sentimos más felicidad. Es por eso por lo que la jubilación suele ser motivo de felicidad para muchos. Sin embargo, otros sentirán que dejan de ser útiles para la sociedad; en esas situaciones, es muy importante que la familia les haga entender que deben buscar nuevos propósitos y objetivos.
Perder a familiares o amigos cercanos es, desafortunadamente, algo natural, y estas pérdidas pueden conllevar un sentimiento de soledad para nuestros seres queridos mayores.
Sin duda que nuestro cuerpo sufre el desgaste natural de los años. Pero envejecer no significa necesariamente que dejaremos de ser independientes o que pasaremos más tiempo en el hospital que en casa. Mientras que algunos tendrán algunas complicaciones de salud, otros sabrán que un estilo de vida saludable podrá evitar muchas de esas complicaciones. Sabemos que una alimentación sana y ejercicio físico son muy importantes para evitar algunas de esas complicaciones. Por eso, es tan importante animarnos o animar a nuestros seres queridos a mantenerse activos, pero con seguridad. Si las escaleras pueden ser un obstáculo que trae peligro de caída, aconsejamos que se instale una silla salvaescaleras. La prevención lo es todo.
La Capacidad de Aprendizaje en la Vejez
A menudo se dice que no se pueden enseñar nuevos trucos a un “perro viejo”, sobre todo cuando nos referimos a personas ancianas intentando aprender nuevas tecnologías. Pero esto no es cierto. No se pierde la capacidad de aprender; lo único que cambia es la estrategia de aprendizaje. Lo más importante es que las personas mayores se sientan comprendidas y sin temor de preguntar. Así, es mucho más probable que se sientan capaces de empezar nuevos proyectos y retos, como aprender a utilizar un ordenador, por ejemplo.
El miedo a envejecer viene acompañado de prejuicios e ideas erróneas asociadas al proceso de envejecimiento. Es importante que uno mismo, o nuestros seres queridos, entiendan que envejecer nos trae la oportunidad de explorar nuevos retos, tal como el caso de Agnes Kasparkova, con 90 años.
La Pintura como Espejo del Alma y de los Miedos
La representación de los miedos más profundos del ser humano siempre ha sido un tema recurrente en el arte. A veces para infundir temor y así tener control, otras para mostrar el miedo interior, subjetivo y quizás más aterrador, de los propios artistas. Un tema que, a pesar de todo, siempre genera morbo, hasta llegar a resultar, en algunos casos, atractivo.
«...y he de llevarte por lugar eterno, donde oirás el aullar desesperado...» - Divina Comedia - Infierno (Canto I). Dante Alighieri.
Vincent Van Gogh y la Representación de la Aflicción
Vincent Van Gogh (1853-1890), pintor neerlandés, fue muy prolífico, pintando alrededor de 900 cuadros y realizando cerca de 1600 dibujos. Tuvo una vida muy agitada, comenzando con la pintura de forma autodidacta, para luego convertirse en pastor protestante. En 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local, una característica muy propia de sus obras.
Un hecho muy importante en su vida fue la amistad con su hermano menor Theo, mercader de arte en París, quien fue su soporte, tanto psicológico como financiero. Sus obras iniciales fueron en tonos sombríos y terrosos. Las más coloridas surgieron cuando se trasladó al sur de Francia, Arlés, en 1888. Siempre quiso transmitir sentimientos con los colores, de ahí que sus figuras humanas no fueran tan perfectas. Solo pintó durante 10 años.
El propio Van Gogh sufrió de problemas psiquiátricos: angustia, terror y alucinaciones con accesos de ira muy intensos, por lo cual debió ser recluido en sanatorios mentales. Famosa es la historia de la mutilación de su oreja, originada tras una discusión con Paul Gauguin, la que quedó plasmada en un autorretrato con la oreja vendada de 1889. Falleció a los 37 años por una herida de bala de pistola, sin saber con seguridad si se trató de un suicidio o un homicidio involuntario. Su atormentada vida y difícil personalidad posiblemente estuvieron muy influidas por padecer lo que hoy se conoce como epilepsia del lóbulo temporal. En su trágico fin, después de dos días de agonía, estuvo acompañado por su fiel hermano Theo, quien refirió que sus últimas palabras fueron “La tristesse durera toujour” que significa “la tristeza durará para siempre”. La calidad de su obra fue solo reconocida después de su muerte, en una exposición retrospectiva hecha en 1890. En la actualidad es reconocido como uno de los grandes maestros de la pintura.
"Cansado" (At Eternity's Gate): Un Retrato de la Soledad
Una de las pinturas más emotivas de Van Gogh es la que representa a un adulto mayor en una actitud muy triste o apenada, conocida también como "Anciano Afligido" o "At Eternity's Gate". Fue pintada en 1890, en Saint-Rémy de Provence, Francia. Está expuesta en el museo Kröller-Müller, en el Parque Nacional Hoge Veluwe, cerca de Otterlo, Holanda. Dos meses antes de morir, Vincent estaba convaleciente en el hospital psiquiátrico de St. Rémy pintando obras como esta, basadas en antiguos dibujos y litografías que había realizado unos ocho años antes, como el dibujo «Cansado» de noviembre de 1882, a lápiz sobre papel (50.4 x 31.6 cm).
Vincent van Gogh sufría una crisis aguda en estos últimos días de su vida. El diagnóstico fue «manía aguda con delirio generalizado», aunque los psiquiatras no se ponen de acuerdo hoy en día sobre este diagnóstico tan ambiguo. Muchos hablan de epilepsia o trastorno bipolar, posiblemente ayudado por un consumo excesivo de absenta, otro casi permanente de tabaco y varias enfermedades venéreas. Van Gogh lo pasó realmente mal en el hospital. Fue justo después de su famoso incidente con la oreja. Al parecer, sufrió en esa época ataques de confusión e inconsciencia seguidos de períodos de estupor e incoherencia durante los cuales generalmente no podía pintar, dibujar o incluso escribir cartas. En los pocos momentos que podía, el artista se ponía a realizar lienzos como si se acabara el mundo, una actividad febril que se ve en estas pinceladas urgentes que dan pistas de su colapso mental. Además, lo hacía de memoria, con una fidelidad sorprendente con la que recordó estas obras de hacía casi una década. En esos momentos, los más tristes de su vida, debió recordar esos viejos dibujos en los que había retratado a un anciano cansado, ese viejo apenado esperando en las puertas de la eternidad.
El Arte como Expresión del Terror Humano
Desde las cuencas vacías de un rostro sin vida hasta los fantasmas que pueblan la oscuridad, o el eco de una voz de ultratumba, las manifestaciones del miedo han sido innumerables a lo largo de la historia.
Evolución del Miedo en el Arte a lo Largo de la Historia
A lo largo de la historia, lo que nos provoca miedo se ha ido transformando. Desde la furia de la naturaleza, la ira de los dioses, el infierno del diablo, las brujas del medievo, el castigo del dios cristiano, pasando por la guerra, la violencia, el hambre, el dolor, la enfermedad, la MUERTE. Hasta la angustia existencial que acosa al ser humano actual. Cada cual tiene sus propios miedos y un escalofrío nos recorre el cuerpo ante una dimensión desconocida e inexplicable.
En la Antigüedad, lo grotesco, lo feo e incluso lo espantoso se ofrecían como oposición al concepto de belleza y también como ejercicio intelectual. A finales de la Edad Antigua, la Iglesia Católica comienza su momento cumbre en la historia y su poder aumenta inquietantemente.
La Iglesia y el Miedo en el Arte Medieval
Llegamos así a la Edad Media, su época de mayor protagonismo, cuando su dominio se extiende a todas las materias: arte, política, economía y, lo más importante, el saber, dotando a la mentalidad de aquellas gentes de una visión maniquea entre el bien, identificado con la belleza, y el mal, sinónimo de fealdad.
Es en la Edad Media cuando se inician las persecuciones, prohibiciones y torturas comandadas por los obispos y clérigos en contra de los herejes. Muchas mentes brillantes son acusadas y ejecutadas públicamente por brujería o herejía. Es por ello que la Iglesia Católica, a lo largo de los siglos, ha sido una institución generadora de mucho miedo, porque aterroriza a los fieles con el miedo al infierno de las llamas eternas y los suplicios del demonio.
Es así como en el Arte encontramos un terror controlado por la Iglesia, su principal mecenas, tanto en la arquitectura de sus iglesias, como en las esculturas que las adornaban, y en las pinturas que encargaban (gárgolas, bestiarios, portadas). Todo en aras de un adoctrinamiento que garantizase el mantenimiento de su poder. Desde nuestra sociedad católica, se nos han inculcado unos valores basados en la tradición cristiana, donde el diablo representa todo lo que el ser humano teme: «la maldad en estado puro que destruye el alma y la arroja al abismo del olvido.»
El Arte Contemporáneo: Inquietud y Reflexión
En la actualidad, el Arte ya no trata de adoctrinar, sino de provocar; ya no trata de convencer, sino de poner en duda. Ahora ya no es solo terrorífico, sino algo quizás peor: ahora es inquietante, tanto por lo que expresa (dolor, soledad, engaño, marginación) como por la manera en que lo expresa (happenings, performances, arte conceptual). Un arte por muchos incomprendido y que sin embargo interpela directamente a nuestros sentimientos y nuestro intelecto. Un arte que refleja la sociedad que hemos creado y es por eso, quizás, por lo que no queremos entenderlo: no nos gusta lo que vemos.
Obras Clásicas que Exploran el Horror y el Miedo
El universo del arte está lleno de obras que representan diablos, brujas y demás seres que habitan el averno. Escenas de violencia, dolor y muerte se suceden, un viaje al infierno en el que los grandes artistas dejan escapar sus propios demonios. Su fértil imaginación nos lleva, unas veces, por caminos fantásticos; otras, a través de visiones siniestras. Un mundo alucinatorio que nos permite conocer uno de los sitios más temibles de la religión: el Infierno, allí donde el pecado se castiga de manera terrible.
El Infierno y la Condenación
Tríptico de la Vanidad Terrenal y la Salvación Eterna (Hans Memling, 1485)
Este tríptico representa conceptos como:
- La Muerte: un esqueleto con un sapo en sus genitales, rodeado de negrura y sobre una tumba abierta.
- La Vanidad y la Lujuria: una mujer desnuda mirándose al espejo, mostrándose sin pudor.
- El Demonio: cuyas piernas, terminadas en garras, empujan a los condenados al fuego eterno hacia la Boca del Infierno, símbolo de la Condenación.
La Muerte y la Destrucción
El Triunfo de la Muerte (Pieter Brueghel el Viejo, 1562)
Batallones de esqueletos, protegidos por escudos de tapas de ataúdes, atacan con sus guadañas a hombres y mujeres que son conducidos a un enorme túnel con forma de ataúd. Es la Muerte que avanza, en una vista panorámica de ciudades ardiendo y barcos hundidos. Una alegoría a los horrores de la guerra.
La Tortura y la Crueldad Humana
El Desollamiento de Marsias (Tiziano, 1576)
Es el horror de la tortura. Tras un duelo musical en el que salió perdedor, Marsias, el sátiro mitad hombre mitad carnero, es desollado vivo ante la imperturbable mirada de su vencedor Apolo, que disfruta de su lenta agonía. Tiziano consiguió un cuadro estremecedor: un perrillo que lame la sangre que cae al suelo; una mano con un cuchillo en el acto de cortar la carne; un caldero preparado para recibir las tiras ya cortadas; las figuras apiñadas a su alrededor para no perder detalle. Una escena envuelta en claroscuros que acentúan el dramatismo y la barbarie del suceso.
La Matanza de los Inocentes (Peter Paul Rubens, 1612)
No hay mayor terror que el de imaginar que te arrebatan a tu hijo y lo asesinan ante tu impotente mirada. Este cuadro retrata una escena bíblica recogida en el Evangelio según San Mateo (ep.2), en la que el Rey Herodes I manda matar a todos los niños judíos menores de 2 años con el fin de aniquilar a Jesús, al que todo el mundo profetizó como Rey de los judíos. Una escena de gran violencia, con los cuerpos inertes de los niños muertos en la parte inferior del cuadro, en contraste con las figuras que se retuercen en imposibles escorzos tan del gusto del Barroco.
Judit Decapitando a Holofernes (Artemisia Gentileschi, 1613)
Un año antes de pintar este cuadro, su profesor de pintura Agostino Tassi la violó. Él no cumplió ni un solo día de cárcel, mientras que ella fue humillada durante el juicio al ser torturada con exámenes ginecológicos y pruebas de dolor para ver si decía la verdad. Artemisia Gentileschi, convertida en un gran icono del feminismo por representar en sus lienzos a mujeres fuertes sin el yugo masculino, pinta aquí a dos mujeres metidas en faena con gesto resuelto y una violencia descarnada que nos hace pensar en Judit como la sicaria contratada por Artemisia para llevar a cabo la venganza contra su violador. Mientras la criada sujeta el cuerpo del sorprendido Holofernes, Judit corta con la espada su cabeza, de la que brota la sangre a chorros. Debido a la violencia con que se representa la escena, la obra fue colocada en un rincón oscuro del Palacio Pitti y solo después de la muerte de Cosimo II, Artemisia pudo cobrar el pago por su trabajo, gracias a la ayuda y mediación de su amigo Galileo.
Visiones Apocalípticas y el Conflicto Eterno
El Gran Dragón Rojo y la Mujer Revestida en Sol (William Blake, 1757-1827)
«El dragón se detuvo delante de la mujer que iba a dar a luz, para devorar a su hijo tan pronto como naciera.» - Apocalipsis 12:3-4
William Blake, poeta, pintor y, sobre todo, un espíritu libre al que se calificó de “visionario”. Su intensa espiritualidad lo llevó a fusionar estas dos artes, creando un mundo de ensueño en el que la imaginación lo era todo, y donde las fuerzas del bien y del mal conviven en un conflicto eterno. Incomprendido y rechazado, fue considerado un artista maldito por sus contemporáneos. Ahora sabemos que William Blake fue un ser libre atrapado entre dos mundos.
La Desesperación y la Brutalidad
La Balsa de la Medusa (Théodore Géricault, 1819)
Símbolo del sufrimiento humano, esta monumental obra representa la tragedia que vivieron los náufragos de la fragata Medusa en 1816. Durante 13 días, 147 hombres navegaron a la deriva en una balsa de tablones en la que fueron abandonados, tras cortar las cuerdas que la unían con los botes salvavidas ocupados por el gobernador, el capitán y los oficiales de más alto rango. Sin comida, sin agua y sin espacio suficiente, en la balsa se desencadenó la lucha por la supervivencia. Después de varios días de sed, locura y canibalismo, solo 15 hombres sobrevivieron. Géricault pintó una historia real de horror y desesperación, haciéndonos partícipes del egoísmo y la brutalidad de la que podemos ser capaces los seres humanos.
La Devoración del Tiempo y la Locura
Saturno Devorando a su Hijo (Francisco de Goya, 1823)
Saturno, el dios griego que representa el tiempo, devora a sus hijos ante el temor de que lo desplacen. En la pintura (perteneciente al conjunto de obras conocidas como Pinturas Negras), Goya nos muestra el terrible momento en que Saturno desgarra y engulle a uno de sus hijos. El expresionismo con que lo pinta servirá de inspiración a futuros artistas: la negrura del fondo que hace resaltar el rojo de la sangre y el blanco de unos ojos casi implorantes, las fuertes pinceladas que dibujan un cuerpo anciano casi deforme, la boca abierta como fauces, las manos desesperadas que estrujan el frágil cuerpo del niño ya inerte. Su violencia nos sobrecoge, al punto de ser una de las pinturas más atormentadas que se conocen. Al fin y al cabo, representa el inexorable paso del tiempo, que todo lo devora hasta hacernos caer en el olvido.
La Mirada Pétrea del Horror
Medusa (Franz von Stuck, 1892)
Medusa, la figura mitológica con cuerpo de mujer y cabellos de serpientes, convertía en piedra a quienes se atrevían a mirarla a los ojos. Perseo utilizó su escudo como espejo y así fue como pudo decapitarla. Y es esa mirada junto con las serpientes y su decapitación, lo que hacía que fuera un tema muy atrayente para ser representado. Mientras que Caravaggio escenifica el momento justo en el que Medusa pierde la cabeza, todavía viva entre el enfado y la sorpresa, Rubens nos la presenta ya muerta en el suelo con el desconcierto en sus ojos y las serpientes en plena huida. Por último, Franz von Stuck nos muestra a la Medusa de mirada hipnótica, de cuyos ojos apenas podemos apartar nuestra mirada. Un rostro de femme fatale tan del gusto de su autor, a diferencia del que pintó Caravaggio que hizo de su Medusa un terrible autorretrato.
